martes, 24 de marzo de 2009

Ivanov, de Chejov

Que onda, les dejo un dato para este fin de semana: Como parte del Festival de México en el Centro Histórico van a dar cuatro funciones en el Teatro de la Ciudad de Ivanov, del maestrazo Antón Chéjov. Lo interesante del asunto es que la puesta en escena es de la compañía Volksbuhne, de Berlín, que está proponiendo una nueva versión de Chéjov con elementos contemporáneos (de nosotros, claro), trayéndola desde Rusia a finales del XIX que es su entorno original. A ver que tal sale.

Hay entradas de 150, 200, 250 y 300 pesos. Las funciones son:

Jueves 26 a las 8:30 pm
Viernes 27 a las 8:30 pm
Sábado 28 a las 8:30 pm
Domingo 29 a las 6:00 pm

todas en el Teatro de la Ciudad, en el centro, atrás del Munal, sobre Donceles.

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lunes, 23 de marzo de 2009

Bolsa de trabajo

Bueno, algo asi...Puede q a alguno de ustedes le interese, o conozcan a alguien a quien le pueda interesar:

Están buscando practicantes en el periódico Excelsior para la sección de espectáculos,
los interesados escribanle a Salvador Franco a: siracusa@hotmail.com, digan que escriben de mi parte para que vayan a una entrevista.

Requisitos, los obvios, excelente redacción, gusto por la reporteada, cultura general respetable, y sí, para su buena suerte, como es de espectáculos, saber de artistas y cantantes ahora si cuenta.

Por favor tomenlo con seriedad, pongo su correo aqui para que no sea tan tardado que se comuniquen conmigo para que les de el dato porque les uurge. Pero no escriban pa cotorrear, ok?

Saludos a Todos,
nos vemos el jueves en clase

domingo, 22 de marzo de 2009

Espacio 2009

Hola compañeros, supongo que la mayoría ya tiene conocimiento de esta onda 
de espacio 2009, el presente año es la Ciudad de México y eso facilita el asistir
aquí les pongo la dirección donde podrán registrarse.

www.esmas.com/espaciov2/espacio/

Ojalá les sea de utilidad.

sábado, 21 de marzo de 2009

AVISO!!!

Hola chicos!
Olvidé comentarles en el salón que por causas de fuerza mayor, no habrá sesión el próximo Lunes 23. Lamento no haberme podido escapar esta vez (yo se que ustedes lo lamentan más aún jaja).
Nos vemos el jueves 26, y si, para su tranquilidad eso les da dos ventajas extra:
1) LA ENTREGA DEL TRABAJO PARCIAL SE RECORRE AL 2 DE ABRIL
2)Tienen otra semana de chance para ir a lo del hip-hop...

Saludos, buen fin de semana
Alejandra Moreno F.

miércoles, 18 de marzo de 2009

Cirko Demente



Q tal amigos... pues ahora que estamos en cosas de teatro y danza, les paso unas paginas web de una compañía que practica todo esto: teatro negro, danza aérea, contemporánea y circo.


Esta compañía realmente es sublime, muestra artes como la danza, la música y las artes visuales que dejan ver nuevos lenguajes o formas de comunicación ( que es lo que nos importa a nosotros). Además que sus presentaciones tienen un perfil que llama mucho la atención al espectador.




Las presentaciones que yo conosco, que son dos, es, "Regresa a msi pies" que es muy buena, aqui está un link: http://www.youtube.com/watch?v=OvB3Mkn_B-w, es sobre la busqueda de un zapato azul y, "El proyecto Fibonacci", que es un performance igual de loco, http://www.youtube.com/watch?v=hDLQn5z8HO8&feature=related, http://www.youtube.com/watch?v=IZN3-_eaQl8, aunque aquí les pregunto y dejo la respuesta en el aire, ya que no sé.




Si se supone que un performance no se repite ¿Proyecto Fibonacci es o no es un performance como tal? puesto que ya se ha repetido N veces. Espero que alguien pueda contestar en la clase.




Ya para terminar les dejo la página web de Cirko demente: http://www.cirkodemente.com.mx/


Y una pequeña crónica que hace tiempo hice, cuando los fui a ver.






Del pie al arte

Se aproxima el momento; uno de los espectáculos más anhelados por la gente del círculo artístico, un evento que se hará cerca del Auditorio Nacional, –y no se trata del concierto de los Back Street Boys, BSB. Es el mismo día, 17 de marzo, pero “con mayor expresión de belleza” declaran los críticos.
Poco antes de las ocho de la noche, en el metro se encuentra gente que sigue con la esperanza de comprar boletos para el concierto más comercial del mes; pero los pies se dirigen a otra parte. Hay poca distancia entre los niños del callejón y Cirko Demente, aunque en calidad y arte, hay todo un abismo.
Demasiada diferencia, BSB en el Auditorio Nacional y Cirko Demente en el Teatro de la Danza, como 500 pesos entre boletos y menor ruido en el segundo, además de que no es lo mismo circo con C que con K. No hay jovencitas esperando amorosamente un cuarteto de sujetos, sólo hay gente.
Pasan de las ocho, los gritos de “Nick te amo” se han quedado atrás del murmullo de una presentación que se desliza entre el circo y el teatro. Primera llamada, el público espera en silencio y excitada de emociones; segunda llamada, se precipitan las golosinas en las bocas, para poder tener total atención.
Son las ocho con treinta minutos y se escucha “tercera llamada, comenzamos”. Se abren los telones, movimiento, música, hay un despliegue de creatividad y armonía en la historia de la presentación Regresa a mis pies que interpreta la compañía de arte Cirko Demente.
HISTORIA DEBAJO DE LA CARPA
Cirko Demente es una compañía fundada por Andrea Peláez y Leonardo Costantini, con la intención de formar una compañía mexicana de circo contemporáneo donde puedan converger diversas disciplinas artísticas como la danza, la música y las artes visuales que busquen nuevos lenguajes y puentes de comunicación.


Toda una obra, la historia se ubica entre la “armonía de la realidad y la fantasía”, declara Gabriela Santuario, estudiante de 19 años del Colegio Nacional de las Artes, CENART. Con acrobacias, música, expresión corporal y diferentes artes se describe la búsqueda de los personajes por un zapato azul.
Entre el malabarismo de sombreros y esferas de cristal se escucha “vamos circo” de un par de jóvenes que parecen alegres. La búsqueda por el zapato no cede, tampoco la ironía con que se expresan las emociones. El pie desnudo pasa de un lado, a otro, de aquí a allá, piruetas en aros y sábanas colgadas.
Ero Souriant declara “el ambiente es tal que no hacen falta las palabras para describir, simplemente sobran”. El personaje del zapato perdido sólo limpia uno con expresión triste, de repente, ve asomarse a sus espaldas el botín azul y dirige una leve mueca que pudo expresar cualquier cosa.
DESPUÉS DEL TELÓN
La gente aplaude, son cerca de las diez de la noche, algunos zapatos de diferentes colores surcan el espacio teatral. Salen los actores y la dirección del evento, dando reverencia declaran gracias por el apoyo y el éxito que han logrado.
El telón cierra y se abre, pero regresan los personajes, dan algunos regalos mientras prorrumpen disparados los flashes de varias cámaras; al parecer mucha gente se queda con ganas del retrato de Cirko Demente autografiado. Terminan cerrando las grandes cortinas verde caqui.
Al salir sólo se escucha la plática de diferentes personas por el asombro de la obra; no es la primera función, ni mucho menos temporada, pero para algunos espectadores lo único que se espera es que haya muchas más.
Pasó media hora para que el público se retirara del Teatro de la Danza, algunos esperando platicar con los miembros de la compañía y otros sólo por el gusto de quererlos ver. Se extienden más invitaciones a diferentes eventos del mismo tipo, y los Back Street Boys siguen cantando probablemente.
Cirko Demente y su función Regresa a mis pies, para algunos va más allá de una obra teatral o función acrobática, es el evento que vale la pena, no por su precio, sino por el significado artístico que mantiene en su expresión. No importa si no se llegó a ver a los BSB, al fin de cuentas son sólo sujetos.




(algunos nombres han sido cambiados por deseos de los entrevistados).




martes, 17 de marzo de 2009

Libres de dogmas

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El cine de arte no existe. Al menos, no existe más allá de una segmentación de mercados y de productos, de estrategias de lanzamiento y distribución orientadas a clasificar los productos de consumo cultural (aquí, películas) de acuerdo a intereses prefijados y lugares comunes: Cine comercial contra cine de arte, cine de estudio/industrial contra cine independiente, cine de estrellas contra cine de autores.
El caso de Dogville (y por extensión de Manderlay, su secuela) no es frecuente: Es vendible como cine de alguien (Lars Von Trier) ó como coro actoral (Nicole Kidman, Lauren Baccall, Paul Bettany, James Caan, Patricia Clarkson, Chloe Sevigny), buscando un equilibrio entre una propuesta arriesgadísima y un elenco de vuelos muy altos, atractivo para el espectador casual. Y estamos hablando, además, de un director de escena (Von Trier) que trata a sus actrices con la punta del zapato, una especie de ogro genial que le exprimió el jugo a Bjork, Emily Watson y Catherine Deneuve, costara lo que costara.
A Dogville se le pueden buscar referencias, tradiciones, escuelas e influencias todo el día sin meyor problema: Se dirán cosas como Beckett, Brecht, Festen, Godard, cinema verité, cine negro, teleteatro avant-garde, sin que ninguna de estas pláticas (muy frecuentemente snobs) lleve a una valoración global de la estética de Dogville ó del Dogma 95, uno de sus antecedentes más identificables y originado en Dinamarca.
¿Qué es, antes que nada, este manifiesto a veces choteado? Es un intento de quiebre de la idea dominante de cine como construcción escénica, dramática y como ilusión estética, de la valoración de filmes en buenos o malos en valor de estos parámetro, es un “voto de castidad”, llamado así por sus fundadores, que pretende despojar a la cinematografía de cualquier elemento de apoyo, incluso el guión, en aras de utilizar una cámara como registro antes que como herramienta técnica de la dramaturgia.
“El dogma”, como se conoció en México allá por 1996, surge en un momento en que la democratización de los medios para hacer cine, los formatos digitales y el auge del independiente se hace más evidente.
Las reglas: Escenarios reales, no decorados, sean exteriores o interiores. Luz natural. Sonido e imagen no se pueden dividir por vías artificiales, ni editarse. Cámara en mano, película revelada a color, no filtros de imagen, no montajes. Se filma unicamente en celuloide de 35mm (éste no siempre fue respetado). Y tal vez los golpes más directos: la prohibición de películas de género y de que el director aparezca registrado en algún crédito. El director no existe porque en las películas del Dogma el creador no es un artista ni un ente omnipresente.
Como es natural en cualquier corriente de cualquier medio de expresión, se filmaron muchos intentos fallidos en torno a estos preceptos, pero también algunas cintas por demás interesantes que son las que mantienen vivo el interés por las propuestas a década y media de su lanzamiento, como ejemplo, una de cada uno del trío de estrellas danesas:

- Dogma Num. 1: Festen: La celebración, de Thomas Vinterberg, 1998
- Dogma Num. 2: Los idiotas, de Lars Von Trier, 1998
- Dogma Num. 3: Mifune, de Soren Kragh Jacobsen, 1999

Y volvemos a Dogville, un nieto renegado del Dogma, una narración casi absurdamente clásica (división en capítulos, narrador omnipresente, personajes presentados en cuanto aparecen en pantalla) con un rompimiento estético que corría el riesgo de incluso opacar a los demás valores escénicos, tanto en sus aciertos como en sus errores, podría sobrevalorarse o infravalorarse basándose únicamente eso: En el look y sus razones, cuando la película no trata exactamente de estética, sino de discurso completo, incluso político, en paquete completo.

Sergio R. B. Huidobro

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miércoles, 11 de marzo de 2009

Sesión 10, Lunes 9 de Marzo: Performance, Instalación y otros

El Performance es arte en vivo que comprende un evento en el cual un grupo de personas (performers) desarrolla un acto en dirección a otro grupo (la audiencia). Algunas veces la línea divisoria entre el performer y la audiencia es imperceptible. Se genera en cualquier espacio y tiene la particularidad de ser único e irrepetible. Así también, el performance no es un evento planeado para ser registrado y reproducido por otros medios (fotografía, video, audio, etcétera) pero... qué más da...



Su antecedente directo es el Happening, en el cual es de mucha mayor importancia (incluso se considera un elemento esencial) la participación de la audiencia, dejando estos de ser espectadores pasivos, liberándose en una actividad que retroalimenta la interpretación.



Finalmente, otro género del arte contemporáneo es la Instalación Artística, que se realiza a través del uso de cualquier material para transformar el espacio en que se monta. La instalación está regularmente ubicada en espacios brindados por las galerías de arte. Se caracteriza también por usar medios contemporáneos y tecnológicos como el video, el sonido, la realidad virtual y el internet. La mayoría de las Instalaciones "nacen" y "mueren" en el mismo lugar donde fueron creados, ahí pertenecen, ya que su diseño está basado particularmente en ese espacio, y en ningún otro.



Cabe destacar que para apreciar todo arte es recomendable desarrollar mecanismos de construcción, término en comunicación que hace referente al sujeto competente, con un contexto artístico suficiente para interpretar y descifrar el trabajo del artista.

lunes, 9 de marzo de 2009

Vestuario y Maquillaje

Vestuario
  • Se tiene que tomar en cuanta todo, incluyendo el tipo de tela
  • Los trajes deben ser acorde con la escena y sometidos al estilo de la época.
  • Se debe conciderar la facilidad para su cambio.
  • El vestuario de una escena forma parte de este conjunto y tiene que ser estudiado como su complemento:

- Lineas, esquemas cromáticos y motivos decorativos, deben ser acordes en intensidad y valor con la iluminación. Los colores de la escenografía se deben someter a los de los personajes.

(PALETA DE COLORES es la gama de colores que tengo para construir lo que quiera)

  • Cuando hay muchos actores en la escena, los trajes de los personajes principales deben ser de colores más intensos y son mayor contraste para salir.
  • El dibujo del traje debe mostrar las lineas y formas del traje considerando que tanto la tela que se va a utilizar como los adornos, botones y accesorios deben ser acordes en color y en textura, con la iluminación que se utiliza.

Maquillaje

  • Es utilizado para acomodar el color de la piel a las variaciones que la luz artificial produce.

domingo, 8 de marzo de 2009




Peter pan estilo Brodway... "mexicanizado" por televisa




Peter Pan es probablemente una de las obras más representadas en el mundo entero, la historia ya ha sido llevada a la pantalla y al escenario tantas veces que es difícil pensar que podría hacer Televisa teatro para mejorar o al menos darle una visión más novedosa a este concepto tan trillado.


En el "making Of" de este musical nos damos cuenta de que no ha sido nada fácil, ya que se necesita un equipo enorme complementado por "especialistas" en diversas disciplinas ( iluminación, artesanos para la escenografía, coreógrafos...) para poner en concreto algo que no solo tiene que vender entradas sino que se tiene que ver espectacular e innovador.

es aquí cuando nos cae el veinte de lo complicado que resulta montar una obra de teatro, en donde todos, al invertir dinero en la producción, quieren hacer las cosas a su modo, y plasmar su visión de la historia sobre el escenario.

Claro que aquí estamos hablando de personas que trabajan en Televisa y están adoctrinados o acostumbrados a pensar similarmente para crear cosas espectaculares, que sean perfectamente digeribles para el publico promedio en México.














Carpeta de producción

la carpeta de producción debe incluir:

Datos del proyecto

Nombre de la obra

Equipo

Planteamiento (características de la propuesta)



El trabajo del director es básicamente definir el perfil psicológico y socioeconómico de cada uno de los personajes, así como imaginar la situación y el contexto en el que se va a desarrollar la obra entre otras tareas...

El diseñador de producción por otro lado, tiene que especificar en que teatro se va a llevar a cabo la obra, y justificar esa decisión. También tiene que hacer los bocetos de vestuario( linea de vestidos) de escenografía, de iluminación. Finalmente tiene que incluir en la carpeta un plano de la iluminación y otro de la escenografía y añadir la banda sonora (descripción del diseño y lista de tracks)

Por ultimo tenemos al productor ejecutivo, quien tiene que enfocarse a las necesidades de producción, es él quien se encarga los recursos humanos, de contratar al todo el personal (actores, tramoyistas, iluminadores etc). Al igual que conseguir los recursos materiales y sus respectivos costos (escenografía, vestuario, iluminación)

Seguramente me faltan algunos datos que no logré copiar ese día en clase, así que se les agradecería si pudieran aumentar mejorar, criticar este resumen

lunes, 2 de marzo de 2009

El guión es como la muchacha fea

Me encontré con este ensayo acerca del dilema guionista/director de Raquel Castro, guionista y periodista ganadora en dos ocasiones del Premio Nacional de Periodismo, en la Revista Replicante y me gustaría compartirlo con ustedes. Me tardé un poco en subirlo porque no lo encontré completo para postear el link y me tomé la libertad de transcribirlo. Más vale tarde que nunca dicen por ahí.

El guión es como la muchacha fea

¿Quién es más autor de una película, el guionista o el director? Esta es una pregunta falsa, como verán.

El guión es como la muchacha fea: a nadie le gusta, pero todos le meten mano.
FERMÍN CABAL, guionista español


La ruptura de la mancuerna González Iñárritu-Arriaga es, probablemente, el divorcio más publicitado del cine mexicano desde el de Jorge Negrete y María Félix. Y todo parecía indicar que el director y el guionista eran una pareja feliz: sus tres retoños (Amores Perros, 21 Gramos y Babel) parecían prueba gloriosa de ello. Ya se ve: las apariencias engañan, e incluso una relación así de fructífera puede llegar a su fin, periodicazos incluidos.
No es raro que una pareja creativa se disuelva: uno de los casos más sonados en la historia del cine es la de Salvador Dalí y Luis Buñuel, quienes, por cierto, incluso antes de su rompimiento definitivo tuvieron cierta discusión acerda de Un perro andaluz (Dalí declaró en más de una ocasión que el guión de Un perro... era de su total autoría y que Buñuel solo había contribuido con detalles). Peroen este caso, como en el otro, llegaremos tarde o temprano a la difícil pregunta: ¿de quién era realmente la película?
El punto de vista simplificador dice que el cine es imágenes y que todo lo demás está de más. Pero es como decir que la danza es sólo movimiento y que da lo mismo ver El lago de los cisnes que El cascanueces. La historia importa. Aun en los albores del cine, películas con argumentos cortos y relativamente simples, como El regador regado, gustaba más al público que las escenas sin progreso dramático, como Obreros saliendo de la fábrica Lumière. Nos gustan las historias: queremos que, además de las imágenes sorprendentes, “pase algo” en la película. Por eso ha sido una constante en el cine la relación con la literatura,la búsqueda de cuentos y novelas para adptar a la pantalla.
Pero aún no se contesta la pregunta. ¿Es el guionista el autor de la película? Akira Kurosawa solía decir que “con un mal guión, ni el mejor director del mundo puede hacer nada”. Y el guionista es autor de la trama, de la historia que se cuenta, aunque es necesario reconocer que una película tampoco es únicamente eso: a diferencia del novelista, cuando el guionista pone el punto final no se encuentra frente a un producto terminado, listo para llegar al público. Como dice el guionista francés JeanCalue Carriéré, el guión concluído a penas está por someterse a un proceso de metamorfosis, en el que intervienen muchas manos y visiones (las de más peso son las del director y el productor) y sólo como resultado de esta transformación surgirá la película.
Sin embargo, este hecho parece oscurecer la importancia del guionista y hasta alentar la creencia de que cualquiera que sabe escribir su nobre o teclear más o menos rápido en un chat es capaz de escribir un guión. (O más todavía: que es capaz de escribir un buen guión.) A veces da la impresión de que todo mundo cree tener los elementos para meter mano en el trabajo del guionista: agregar personajes, quitar referencias, inclur anécdotas o discursos que “exalten” tal o cual valor...
La discusión está mal planteada desde el principio: no se trata de negar la importancia del director (como Inárritu eligió entender el reclamo de Arriaga), sino de insistir en hacer visible el trabajo del argumentista. Que haya un pago justo por la escritura de la histora, que se reconozca la autoría, que nos hagamos a la idea de que no todo el que sabe usar la cámara sabe escribir una trama lógica e interesante o diálogos inteligentes y creativos; por todo esto que válido y hasta saludable que se reconozca que se necesta de la ayuda de un gionista. Como hacía Buñuel.
Hay dos obstáculos en el camino a esa meta: una mala idea de los realizadores y el buen oficio de los guionstas. La mala idea es la de que todo realizador puede ser un auteur (es decir, puede realmente “hacer la película” sin la intervensión de nadie más). El buen oficio causa el fenómeno del “zurcido invisible”, presente en los guiones bien escritos: mentras mejos escrito esté el guión, menos se notará la mano del guionista en elresultado final y, desde luego, el peso de su trabajo.
¿Se puede dar un mayor crédito al trabajo del guionista? Es posible. Al menos en Europa, las asociaciones de guionistas están realizando esfuerzos en esa dirección. Otra señal halagüeña es la proliferación de cursos y seminarios para la formación de guionistas. ¿Dije halagüeña? Perdón: es un arma de doble filo. Me explico.
En Ladrón de orquídeas (Adaptation, 2002) lo real (la existencia de Charle Kaufman, el bloqueo por el que pasaba, la encomienda de adaptar una “novela” sobre flores en las que apenas ocurre nada) se mezcla con lo imaginario (el hermano gemelo que quiere ser guionista, las situaciones de vida o muerte). También aparece un personaje impresionante: un gurú del guión, agresivo, carismático y muy seguro de sí mismo, que llena auditorios y promete enseñar en tres sesiones el arte de escribir un guión que se convertirá en gran éxito. ¿Qué será lo más sorprendente? ¿Que se pueden llenar auditorios con gente que desea ser guionsta, a pesar del poco reconocimiento y los malos sueldos? ¿Que haya quienes crean que en un fin de semana se puede aprender todo lo relativo a la escritura de argumentos de calidad? ¿Que el personaje en cuestión, Robert McKee no es un invento de Kaufman, sino un auténtico motivador profesional/teórico del guión? ¿O que el verdadero MacKee no se da por ofendido con la anera en que se le retrata en la película, al grado de incluír ésta en la publicidad que hace a sus cursos?
Así es: McKee siempre de gira, imparte su popular seminario “Historia” a un costo de 545 dólares y su anuncio, a plana completa en todas las revistas especializadas en escritura de los Estados Unidos, incluye el cartel de Adaptation y la leyenda “¡Como lo vio en Ladrón de orquídeas” Segú dice McKee, lo que lo hace distinto de otros gurús que se dedica al mismo negocio es que él no dicta pasos ni reglas, sino “principios” que pueden o no seguirse, pero que, de atender, llevarán al guionista directo a la fama y la fortuna. Imagio que McKee no ha escrito ningún guión para cine (y sólo tres para televisión) precisamente porque ya encontró la fama y la fortuna.
A esto me refiero con el cliché del arma de dos filos: por una parte, es obvio que el éxito absoluto no alcanza a todos los que asisten al seminario de McKee o de alguno de sus colegas (Syd Field, Doc Comparato y Linda Seger están entre los más famosos... y no, tampoco ellos han escrito prácticamente nada para cine o televisión); por la otra, cada vez hay más personas dispuestas a aprender sobre guionismo y como resultado colateral, a darse cuenta de que no basta con tener buenas ideas (y 545 dólares) para escribir una buena película.
Quizá en unos años el guionista vuelva a ser considerado un elemento importante en la cinematografía. Quizá entonces el guión deje de ser visto como la muchacha fea, y en cambio se aprecien sus propios esplendores.

Esos de producción

Compañeros les quiero hacer de su conocimiento que los dias 8, 9 y 10 de Marzo se realizará la
Expo Soundcheck en el WTC Ciudad de México, en dicha expo asisten las marcas mas ronombradas de la industria del espectaculo, salas demos y shows case se ofrecen en los 3 dias.
Hay que preregistrarse www.soundcheckexpo.com.mx y asi pagarán menos, es cerca de $70 por los tres dias.